藝文焦點》表演藝術的下一哩路

自2007年歐盟、美國、亞洲全球在經濟巨變下都遭受嚴重危害，當各行業的盈利急速衰退，影響在表演藝術界所帶來的災難，更是30年來少有的景象，國家級的歌劇院、音樂廳、交響樂園、合唱團、芭蕾舞團，關閉的關閉，解散的解散，民間私人的團隊改行，跨行比比皆是，尤其近幾半年看到「羅馬歌劇院」，「紐約市立歌劇院」，「費城管弦樂園」相繼關門停業，荷蘭、丹麥、法國也有公設樂園解散，面對種種的困境，名聲響亮的樂園如：「柏林愛樂管弦樂團」、「巴伐利亞廣播交響樂園」，「柏林劇團」、「陽光劇團」都積極的延續及開發中國大陸與東南亞的巡演市場來維持營運，事實證明這種做法，讓各國政府、演出團隊都能在巡演中不失自己的優勢，可是對於基層性或較不見知名度的藝術團隊就難於倖免解散、改行、跨行的危機。

亞洲方面，雖然各表演團體不如歐美的名氣與藝術水準，但由於具有濃烈的民族色彩，在自己土地上演出的收入是維持生活，保存傳統的主要來源，像馬來西亞、泰國、菲律賓、韓國等，他們靠著國際宣傳、影片、電視劇…帶來大批人潮。

臺灣表演藝術的市場性

回頭來看看我們臺灣的表演團隊，有些團困於經費來源無著落，也有因為表演的風格在多變的今天，已不符觀眾的期待，當他們社會的影響弱化時，國內企業界對補助這類團體顯得不夠積極、熱心，所以很難生存下去。可是也有團體敏感度高，早已嗅出這10年來表演藝術市場「多元化時代」來臨，從跨行、跨領域，打破傳統、找尋新興的創意，不僅能保存藝術專業的精神外，也嘗試接近普羅大眾對藝術的品味與喜好，居然令人眼睛一亮，觀眾群逐年增長，年齡層則逐漸下降，如傳統說唱藝術界「相聲瓦舍」、「臺北曲藝團」、「明華園歌仔戲團」、「楊麗花歌仔戲團」……他們創新的訣竅除了劇本吸引人外，也結合了舞臺視覺具像化（過去多半以抽象佈景、道具登場）音樂配器豐富、滿足視、聽的享受，說相聲的也有佈景、道具、舞臺三度空間的戲感，令人驚訝，不忍心打瞌睡，不再像過去相聲二人組穿著長袍馬掛，你一言我一語，結尾用扇子敲搭檔腦袋，「你別挨罵了吧！鞠躬下臺」。

一個新作品推出，演出60場以上，印證了人潮就是錢潮。歌仔戲也將場景由舞臺延伸到觀眾席，與現場觀眾互動頻繁，他們還有共通的元素，那就是社會熱門話題：如「阿基師」等將他們經典說詞搬上舞臺，既時尚又能抓住民心，這種演出風格當然有市場、有觀眾，在經濟艱困時期、民間表演團體能有百分之百的自主性來製作貼近群眾的劇碼，多半是成功的。

戲劇團體在10多年前已嗅出表演藝術市場的急速變化，民間團體將戲劇加上歌唱，並邀請歌星、演藝人員來擔綱演出，如蔡琴與果陀劇團的「修女也瘋狂」創下高票房記錄，音樂劇的雛形，音樂時代的「四月望雨」、「永恆的原鄉」則逐漸吸收歐美音樂劇的風格，讓戲劇與歌唱間有更多創作情境與劇情轉折的音樂，比早先的「劇情+歌唱」更有可聽性，果然市場效益倍增，培植了不少排斥藝術演出的觀眾走近劇院、劇場，更造就了新一代的舞臺製作的創作人才，他們演出場次都超過30場，這也是民間團體在非政府所屬的表演團體外能立足的成功案例。

在「舞蹈藝術」方面，林懷民1973年所創辦的「雲門舞集」每一部作品都感受到對歷史、對人民、對土地、對心靈的貼近，從「薪傳」、「九歌」、「行草」、「流浪者之歌」到近期的「白水」、「微塵」帶領觀眾在沉靜、激情音樂中找回心靈的歸屬，這個團體是不會被環境打敗。在成立15年後，1988年宣佈暫停，林懷民自我放逐歐洲各國觀賞演出之餘，多半沉思舞團何去何從。

我曾經率音樂家團體在歐洲參加國際藝術節，同時做歐洲巡演，在比利時我們音樂家們利用演出空檔到公園廣場去觀賞花展，看到一位瘦瘦的男士背著背包，坐在石椅上低頭沉思，仔細一看原來是林懷民老師，一臉茫然、失落。回想那一幕，那段時間相信他為自己的舞團做了精密的剖析，找出自己的方向。現在看到他的成功，應證了藝術是在沉靜中看到圖騰、光影，也在肢體揮舞中發現，那趟在自我放逐是嚴謹藝術家心靈的尋根。

臺灣西式歌劇的興起

在民國58年左右，第一部歌劇是文化大學音樂系製作莫札特的歌劇「費加洛婚禮」，同時國內軍中歌劇隊也推出年度金像獎歌劇競賽，是臺灣第一波西式歌劇興盛輝煌年代，不管內行與否都在做歌劇。筆者僥倖在進大學前獲得一座最佳歌劇女主角金像獎，才知道演歌劇需要除了會唱、還會演、會跳，民國60年代，由西班牙歸國男中音曾道雄教授成立民間歌劇團，接著由德國柏林歌劇院回國的男高音吳文修教授成立「首都歌劇團」，在這同時，臺北市政府也開始製作，當然民間不如政府的資源豐沛，製作起來身心俱疲，政府在年度預算，1仟萬、2仟萬製作歌劇上沒有經費壓力，只有演出成功，好壞與否的壓力，民間團體常常校長兼撞鐘，由團長、演出人員、工作人員一肩扛，政府補助是杯水車薪，宣傳、銷票，自己承擔盈虧。

民國70年左右於高雄首演「蝴蝶夫人」時，發生了小趣事，依當地宣傳習性，演出前一週要找小發財車貼上歌劇廣告，在大街小巷大肆宣傳一番，果然當天高雄文化中心至德堂滿場觀眾，可是當交響樂演奏、幕開啟，歌唱家穿著戲服，唱起義大利文，部份觀眾傻眼了，開始有點雜音，原來他們誤以為是歌仔戲的演出，因為當地人也稱歌仔戲團為「歌劇團」。

近30年來，臺灣歌劇在政府與民間的努力推動下，每年有5-7部歌劇的演出，但民間團體製作費往往不到政府團體的一半，艱困情況常令負責人灰心喪志。更遺憾的是花費不少的佈景、服裝、道具，每演出完就束諸高閣，無法重複使用也是資源的浪費。國外歌劇院重覆使用的結果成本回收外，對樂迷、歌劇迷能經常看到叫座的歌劇來回的上演，也證明了經典就是經典，不被時代所淘汰。

面對全球知名音樂團隊的解散，我們對國家表演藝術中心（臺北兩廳院、臺中歌劇院、高雄衛武營歌劇院）在選擇邀請國外的表演團隊價碼上應有更多議價空間，即便是法人制，文化部每年定額的經費補助外，仍需靠售票、廣告、贊助週邊商品來維持營運。

筆者在擔任董事期間，一直強調的就是外國團隊的議價空間與合作雙贏之做法、非常堅持，而且自製外來節目每檔不得虧損300萬以上，迫使總監及各部門工作同仁努力開發贊助及推廣、銷售之工作，每年盈餘還能繳回國庫及鼓勵新秀，算是成功的例子，他、她們功不可歿。

文化補助的合理性與排擠現象

民間團體與政府先天條件不能比擬，但演出品質與水準雖然會因資源不對等而有差異，但多半時候看到民間團體的靈巧度與多元性，超越政府的制式化而感到這些人才是我們前進的動力，這些觀眾才是催生人才的舵手，當然背後如有政府厚實的支撐，臺灣文化藝術在亞洲能傲視群雄也是大有可能。請政府看看我們這些藝術工作者，每個活動決不是補助個3、2萬就能成氣候，藝術界更需要政府的公資源合理分配，畢竟一場精緻的演出，若不如商業機制歌星發片的補助，那不僅僅是300萬與3萬的失衡，而是擊退了文化藝術的熱情與信心。

別忘了文化藝術的價值可提供臺灣面對紛亂世局的出口。

（本文作者呂麗莉，為文化大學音樂研究所副教授、前國立中正文化中心兩廳院董事。）